SAPAR Contemporary Gallery + Incubator wurde von Raushan Sapar und Nina Levent ins Leben gerufen. Das Projekt begann im Jahr 2014, als wir uns auf die Suche nach einem Ort begaben, der unserer Vision entsprach. Die Galerie erwarb schließlich eine Erdgeschossfläche in der North Moore Street 9 und verwandelte zusätzlich ihre älteren traditionellen Räumlichkeiten in Tribeca in eine moderne, sonnendurchflutete Galerie, die das architektonische Erbe des Viertels respektiert und den ursprünglichen Charme bewahrt. Nach der Eröffnung in Tribeca im Frühjahr 2016 hat Sapar Contemporary die Tribeca Art Night (jetzt ein unabhängiges Projekt) ins Leben gerufen, die viermal im Jahr Kunsträume, Kunstliebhaber und Kunstschaffende in diesem Viertel zusammenbringt.
SAPAR Contemporary arbeitet mit internationalen Künstlern zusammen, die insgesamt drei Generationen und fünf Kontinente umfassen. Diese führen globale Gespräche und entwickeln ein Vokabular, das in Baku, Almaty und Istanbul ebenso stark nachklingt wie in New York, Berlin, Paris und Mexiko-Stadt. Ihre künstlerischen Praktiken variieren von meditativer traditioneller Tuschemalerei bis hin zum Programmieren; was sie verbindet, ist die künstlerische Fähigkeit zu Empathie, Einsicht und Vorstellungskraft, ihre Fantasie und Freigebigkeit des Geistes, sowie die Strenge und Tiefgründigkeit ihrer Atelierarbeit. Das Galerieprogramm bietet ein einzigartiges Spektrum, das unmittelbar und global, zukunftsorientiert und zugänglich, multisensorisch und immersiv ist. Wir bringen bildende Künstler und kreative Köpfe unterschiedlichster Disziplinen zusammen: Wissenschaftler, Ingenieure, Architekten, Künstler, Musiker und Parfümeure. SAPAR Contemporary vergibt unter anderem auch Auftragsarbeiten, die ortsspezifisch sind, aber von den Empfindungen, Materialitäten und Traditionen des künstlerischen Hintergrunds durchdrungen sind.
SAPAR Contemporary hat zudem einen Neo-Nomaden-Inkubator ins Leben gerufen, der sich auf die aufstrebende Kunstszene und die kulturellen Traditionen Zentralasiens konzentriert. Das Inkubatorprogramm hat seinen Hauptsitz in Almaty, Kasachstan. Die erste Ausgabe des Neo-Nomaden-Inkubators entwickelte sich um den Begriff des traditionellen und digitalen Nomadentums und der mit nomadischen Erfahrungen verbundenen Ästhetik. Das Projekt untersuchte die Beziehung zwischen den traditionellen Nomadenkulturen Zentralasiens und des Nahen Ostens und den Realitäten von Migration, Globalisierung und Hypermobilität. Die derzeitigen Bestrebungen des Inkubators zielen auf einzigartige Kunstströmungen ab, die in Zentralasien, Südost-Russland und der Mongolei entstehen.
SAPAR Contemporary’s Werke zeitgenössischer Künstler sind auf internationalen Biennalen vertreten und befinden sich in privaten und öffentlichen Sammlungen auf der ganzen Welt, darunter das MoMA, LACMA, Art Institute of Chicago, Guggenheim, M+ und viele andere.
Die Galerie akzeptiert keine unaufgeforderten Portfolios.
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Für weitere Informationen über unsere Verpflichtung zur Barrierefreiheit lesen Sie bitte unsere Richtlinien zur Barrierefreiheit. Für unsere Besucher mit Sehbehinderung bietet die Galerie eine monatliche Führung mit verbaler Beschreibung, jeweils am ersten Dienstag des Monats, sofern wir nicht geschlossen oder im Aufbau sind. Für diese Führungen ist eine vorherige Anmeldung erforderlich. Bitte senden Sie eine E-Mail an nomad@saparcontemporary.com, um sich anzumelden.
Faig Ahmed (Baku, 1982) lebt und arbeitet in Baku, Aserbaidschan, und schloss 2004 sein Studium der Bildhauerei an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Aserbaidschan ab. Er vertrat Aserbaidschan 2007 im Eröffnungspavillon des Landes auf der Biennale von Venedig und nahm 2013 an der Ausstellung "Love Me, Love Me Not" teil. Er ist bekannt für seine konzeptuellen Werke, die das traditionelle dekorative Handwerk und die visuelle Sprache von Teppichen in zeitgenössische skulpturale Kunstwerke einfließen lassen. Seine Kunst stellt alte Handwerksberufe neu dar und schafft durch die Dekonstruktion von Traditionen und Stereotypen neue visuelle Grenzen.
Ahmed gehört zu einer neuen Welle zeitgenössischer Künstler, die das Kunsthandwerk auf innovative Weise erforschen, um konzeptuelle Werke zu schaffen, die sich von den mit dem Handwerk verbundenen Konventionen lösen, indem sie es in einen globalen zeitgenössischen Kunstkontext bringen. Ahmed erforscht frische neue visuelle Formen, die die Tradition hinterfragen und unsere Wahrnehmung von Traditionen durch ikonische kulturelle Objekte herausfordern. Der Künstler experimentiert mit traditionellen Materialien und Farben wie den Teppichwebereien in Aserbaidschan oder der indischen Stickerei, doch erklärt er, dass er "nicht daran interessiert ist, Vergangenheit und Gegenwart zu verschmelzen", sondern sich "für die Vergangenheit interessiert, weil sie die stabilste Wahrnehmung unseres Lebens ist". Zu seinen kunsthistorischen Inspirationen zählt Ahmed Hieronymus Bosch und Otto Dix, unter seinen Zeitgenossen bewundert er James Turrell und Anish Kapoor.
Ahmed arbeitet mit einer breiten Palette von Medien, wie seine komplexen Installationen "Embroidery Space", 2012 (Seidenfäden) und "Disassembled", 2013 (handgefertigter Wollteppich und Mischtechnik) sowie seine Arbeit "Birds", 2011 (in Mischtechnik) zeigen. All diese Werke veranschaulichen die zeitgenössischen Konzepte des Künstlers in verschiedenen Medien. Darüber hinaus fesseln Ahmeds Kunstwerke den Betrachter durch die unerwartete Verbindung von traditionellem, geschichtsträchtigem Kunsthandwerk mit hyperzeitgenössischen, digital verzerrten Bildern, oft in Form von Verpixelung, dreidimensionalen Formen und zerfließender Farbe, die das Muster auf den Teppichen verändert. Er setzt Computer ein, um seine Werke zu skizzieren, und wählt komplizierte traditionelle Methoden der Teppichweberei, um seine Entwürfe auf Teppiche zu drucken. In seinem Werk "Oiling" 2012, das sich in der Sammlung des Seattle Art Museum befindet, transformieren sich seine handgewebten Teppichdesigns und wirken, als ob die Pigmente im Teppich zu einem wellenförmigen Muster aus Öl auf Wasser verschmelzen würden.
Die tiefgreifenden Interessen und persönlichen Fragestellungen des Künstlers stehen im Zusammenhang mit Weltreligionen, mystischen Praktiken, alten Schriften, Kalligraphie und Mustern. In der Einleitung zu seiner ersten großen europäischen Einzelausstellung "Points of Perception" im Museo d'Arte Contemporanea di Roma erklärt der Kurator der Ausstellung, Claudio Libero Pisano, dass sich der Künstler "mit der Frage nach der Wahrnehmung der Wahrheit und deren Schöpfung beschäftigt". Er beschreibt Ahmeds Ästhetik als "gewagt und futuristisch", und dennoch "getreu den alten Methoden".
Linda Komaroff, Kuratorin für islamische Kunst und Leiterin der Kunst des Nahen Ostens am Los Angeles Contemporary Museum of Art, schrieb: "Obwohl Faig Ahmed in anderen Medien - Malerei, Video und Installation - arbeitet, ist er vor allem für seine fantastischen Webarbeiten bekannt, die auf dem klassischen aserbaidschanischen Teppich basieren, der ein Eckpfeiler des kulturellen Erbes des Künstlers ist... Heute setzt Ahmed diese künstlerische Tradition fort, aber nicht mit Tinte und Papier; stattdessen fertigt er seine Teppichentwürfe am Computer neu an und erzeugt optische Illusionen, die das fertige Werk in etwas völlig Zeitgenössisches verwandeln, das eine dreidimensionale oder sogar kinetische Qualität ausdrücken kann. ” Darüber hinaus wurde der Künstler 2013 für den Jameel Prize 3 im Victoria and Albert Museum in London nominiert.
Ausstellungen: Ahmed hat seine Werke weltweit ausgestellt, darunter Gruppen- und Einzelausstellungen in New York, Paris, London, Berlin, Rom, Venedig, Dubai, Washington D.C., Hongkong, Mumbai, Moskau, Aserbaidschan, Schweden, Norwegen, Honolulu, Melbourne und Sydney. In den letzten Jahren wurden Ahmeds Werke in mehreren Museen ausgestellt, darunter das Museum of Fine Art Boston, Los Angeles County Museum, Bellevue Art Museum, Milwaukee Institute of Art & Design, MOCA Cleveland, Museum of Old and New Art, Tasmanien, Pennsylvania College of Art and Design, Shangri La Museum of Islamic Art, NYU Abu Dhabi, das Textilmuseum von Schweden, die Projective Eye Gallery an der UNC Charlotte und andere. In naher Zukunft wird Ahmed Einzelausstellungen unter anderem im Aga Khan Museum, zusätzlich zu den bevorstehenden Gruppenausstellungen in der Neuen Tretjakow-Galerie und im Istanbul Modern zeigen.
Sammlungen: Ahmeds Werke befinden sich in öffentlichen Sammlungen, darunter das Art Institute of Chicago, das Los Angeles County Museum, das Museum für Zeitgenössische Kunst in Krakau, das Palm Springs Art Museum, das Seattle Art Museum, das RISD Museum of Art, das Chrysler Museum of Art, die George Washington University, das Arsenal Contemporary, das Currier Museum of Art, NH, die National Gallery of Victoria, Australien, und die Wake Forest University.
Seine Werke befinden sich auch in Privatsammlungen wie der West Collection, Philadelphia; der Microsoft Art Collection, der Sammlung von Beth Rudin DeWoody, New York; der Galila' Collection, Brüssel; der Ranza Collection, Rom; der Jameel Foundation, London und S.H. Sheikh Zayed bin Sultan bin Khalifa Al Nahyan, VAE.
Albergarias Arbeiten umfassen genau ein Territorium: die Natur. Eine Natur, die manipuliert, gepflanzt, transportiert, in eine Hierarchie gesetzt, katalogisiert, studiert, gefühlt und erinnert wird durch die kontinuierliche Erforschung von Gärten/Kulturlandschaften in Fotografie, Zeichnung und Skulptur. Der Künstler betrachtet Gärten/Kulturlandschaften als ausgearbeitete Konstrukte, Darstellungssysteme und beschreibende Mechanismen, die eine Reihe von fiktiven Überzeugungen verkörpern, die zur Darstellung der natürlichen Welt eingesetzt werden. Gärten sind auch Umgebungen, die der Freizeit und dem Studium, kulturellen und sozialen Prozessen gewidmet sind, die ein historisches Verständnis dessen hervorbringen, was Wissen und was Vergnügen ist. Ganz allgemein werden die vom Künstler verwendeten Bilder von Gärten und Pflanzenarten als Mittel eingesetzt, um Prozesse des kulturellen Wandels aufzuzeigen, durch die Visionen von Natur entstehen. Vermittelt durch Repräsentationssysteme erzeugen sie verschiedene Versionen dessen, was wir als Landschaft sehen - selbst ein komplexes System materieller Strukturen und visueller Hierarchien, kulturelle Konstrukte, die den Rahmen unseres Gesichtsfeldes definieren.
Gabriela Albergaria ist eine portugiesische Künstlerin, die in Lissabon und London lebt. Nach Abschluss ihres Studiums der Malerei an der Fakultät für Bildende Künste in Porto verbrachte sie zahlreiche Atelieraufenthalte, wie z.B. im Künstlerhaus Bethanien, Berlin (2000/2001) / Cité Internationale des Arts, Paris (2004) / Villa Arson, Centre National d'Art Contemporain, Nizza (2008) / Botanischer Garten der Universität Oxford, in Zusammenarbeit mit The Ruskin School of Drawing and Fine Art, Oxford (2009/2010) und Winter Workspace, Wave Hill Public Garden and Cultural Center, New York (2012), Residency Unlimited, New York, USA (2015), und Flora ars+natura, Bogotá, Kolumbien (2015)
Ahmad Zakii Anwar (geb. 1955), auch bekannt als Zakii, ist einer der bekanntesten Künstler Malaysias. Seine Kunst wird dafür gelobt, dass er nicht nur Stadtmotive und urbane Charakteristika, sondern auch die unverwechselbaren psychologischen Dimensionen und die filmische Qualität dieser Schauplätze einfängt. Zakii's Beschäftigung mit den spirituellen oder metaphysischen Aspekten des städtischen Lebens wird durch seine Verwendung von Ikonen, Symbolen und Allegorien deutlich. Auch Metaphern des Theaters, der Performance und Masken haben seine Praxis geprägt. Das gesamte Werk Zakii's, von seinen michelangelesken männlichen Akten bis hin zu seinen fotorealistischen Tieren und sinnlichen Früchten, ist durchdrungen von kontemplativer Stille, die aus seinen Forschungen über platonische Scheinbilder und die Sufi-Mystik stammt. Zakii ist für seine fotorealistischen, großformatigen Kohlezeichnungen männlicher Akte bekannt geworden: Er beschwört in zweidimensionaler Darstellung eine viszerale Realität herauf, die an Michelangelos Sklavenskulpturen erinnert. Zakii verbindet in seinen Zeichnungen seine theologischen, psychologischen und kosmologischen Untersuchungen des menschlichen Geistes und Körpers.
Ahmad Zakii Anwar wurde 1955 in Johor Bahru, Malaysia, geboren. Er hat einen Abschluss von der School of Art and Design des MARA Institute of Technology Malaysia. Zakii ist eine wichtige Figur der malaysischen und südostasiatischen Kunstszene, wo er in Kuala Lumpur, Singapur, Jakarta, Bangkok und Manila ausstellt. Auf internationaler Ebene hat Zakii in New York, London, Paris, Los Angeles, Seoul, Shanghai und Hongkong ausgestellt. Seine Kunstwerke befinden sich in vielen institutionellen Sammlungen, unter anderem in der National Art Gallery Kuala Lumpur, der Bank Negara Malaysia, Khazanah Nasianal Berhad, dem Singapore Art Museum, dem National University of Singapore Museum und dem Long Museum Shanghai. Der Künstler unterhält zudem eine aktivistische Praxis zur Unterstützung von AIDS-Patienten, Frauenrechten und seiner lokalen Gemeinschaft. Zakii lebt und arbeitet derzeit in Johor Bahru, Malaysia.
Uurintuya Dagvasambuu
Uurintuya Dagvasambuu (geb. 1979) ist eine zeitgenössische Meisterin der mongolischen Zurag-Malerei und wird für ihre Innovationen in diesem Stil sehr geschätzt. Sie integriert insbesondere traditionelle mongolische und buddhistische Motive mit zeitgenössischen Themen, indem sie das Leben der Frauen und das profane Alltagsleben über die Jahreszeiten hinweg in ihrer postnomadischen Heimat dokumentiert.
Schon im Jahr 2001 begann sie als Studentin auszustellen und präsentierte 2006 und 2018 Einzelausstellungen in Ulaanbaatar. Dagvasambuu nahm an Gruppenausstellungen im In- und Ausland teil, darunter Ausstellungen in Las Vegas (2006), Peking (2008), Hongkong (2011), Fukuoka (2012), London (2012) und Düsseldorf (2012). Darüber hinaus nahm sie an der Shanghai Biennale (2012), der Asiatischen Kunsttriennale Fukuoka (2014) und der Asien-Pazifik-Triennale (Queensland, 2015) teil. Dagvasambuu war im Rahmen des Goethe-Instituts der Mongolei auch Teil der Documenta-14-Tournee 2017, die in Partnerschaft mit dem mongolischen Förderverein für zeitgenössische Kunst durchgeführt wurde.
Dagvasambuus Entwicklung traditioneller Motive und Bildsprache zu einzigartigen Darstellungen mongolischer Frauen und des Alltagslebens in der postnomadischen Mongolei wurde in ihrem Heimatland anerkennend wahrgenommen. Ihre Werke wurden von der Nationalen Galerie für Moderne Kunst der Mongolei für den Großen Preis für die besten Kunstwerke des Jahres 2013 und von der Union der mongolischen Künstler für den Großen Preis für die besten Kunstwerke des Jahres 2018 ausgewählt. Dagvasambuu schloss sein Studium am Institut für Schöne Künste der Mongolischen Universität für Kunst und Kultur ab. Derzeit lebt und arbeitet sie in Ulaanbataar.
Mulyana
Im Jahr 2008 schuf Mulyana (geb. 1984, Bandung, Indonesien) sein Alter Ego, den Mogus (Monster), ein Akronym, das das Gurita-Tier (Oktopus) mit Mulyanas Familiennamen (Sigarantang) verbindet. Seine farbenfrohen, geknüpften Installationen sind emblematisch für die globalen sozialen und ökologischen Anliegen, mit denen wir derzeit konfrontiert sind, und inspirieren zu einer verstärkten Verantwortung sowohl für die Natur als auch für den Respekt aller Menschen.
Nach Abschluss seines Studiums der Kunstpädagogik an der Universität Pendidikan Indonesia in Bandung (2011) zog Mulyana 2014 nach Yogyakarta, um die Möglichkeit gemeindebasierter Projekte als Erweiterung seiner Atelierpraxis zu untersuchen. Eine der ersten Kollaborationsgruppen, auf die er traf, war eine Gemeinschaft von Transgender-Frauen im Dorf Sorogen, das in der Region Yogyakarta sehr bekannt ist. Mulyanas charakteristisches Medium aus weichen Strick- und Häkelskulpturen wurde durch diese Partnerschaft konzipiert.
ArtJog 2018 beauftragte Mulyana mit der Realisierung seiner bisher größten Installation Sea Remembers (2018). Die aus Strick- und Häkelmaterialien gefertigte Skulptur zeigt ein weitläufiges Unterwasserpanorama von Lebewesen und Korallen, darunter ein dreidimensional gedrucktes Walskelett. Das Werk befindet sich derzeit in der ständigen Sammlung des Motomoto-Museums in Jakarta, Indonesien. Im Jahr 2019 waren Mulyanas Werke im HERMES-Flagshipstore in Singapur, einer Einzelausstellung bei FORM/The Shed in Perth, Australien, in einem groß angelegten Projekt Anima Mundi: Seele der Welt in der Central Embassy, Bangkok, und einer musealen Einzelausstellung im OCMA, Los Angeles, zu sehen.
Marela Zacarias
Marela Zacarias arbeitet mit einem arbeitsintensiven Verfahren, das Skulptur und Malerei miteinander verbindet. Sie fertigt Formen aus Drahtgittern an, die an Holzträgern oder Fundstücken befestigt werden, auf die sie Gipsschichten aufbringt, um wellenförmige Gebilde zu schaffen. Durch Schleifen, Polieren und Malen schafft sie Skulpturen mit der Qualität von Stoff, gefüllt mit Bewegung und expressiver Wertigkeit. Anschließend bemalt sie die Skulpturen mit Originalmustern und geometrisch-abstrakten Formen, die von ihren Forschungen inspiriert sind. Ihre Arbeit zeichnet sich durch ein Interesse an Ortsspezifik, sozial engagierter Geschichte und aktuellen Ereignissen aus.
Marela Zacarias hatte Einzelausstellungen im Brooklyn Museum, der Praxis Gallery, im National Arts Club und bei Art at Viacom im Broadway-Gebäude 1515, alle in New York; sowie im Brattleboro Museum, Vermont. Sie nahm an Gruppenausstellungen in der British Society of American Art, Praxis Gallery, Y Gallery, Rush Arts Gallery und El Museo del Barrio, ebenfalls alle in New York, teil.
Marela erhielt groß angelegte permanente, standortspezifische Aufträge vom Sea-Tac International Airport in Seattle, vom Facebook-Hauptquartier in Kalifornien, vom William Vale in Williamsburg, Brooklyn, und vom amerikanischen Konsulat in Monterrey, Mexiko. Ihre Wandmalereien sind in Washington DC, Virginia, Connecticut, Ohio, Mexiko und Guatemala zu finden.
Zacarias hatte unter anderem Studienaufenthalte im Vermont Studio Center, Johnson, an der University of Connecticut, in Storrs und an der Corcoran School of Art, Washington, DC. In den Jahren 2013, 1214 und 2016 wurde sie in der Art 21 New York Close Up Series porträtiert. Zacarias erhielt ihren BA am Kenyon College, Gambier, Ohio, und ihren M.F.A. am Hunter College, New York. Sie lebt abwechselnd in Brooklyn, NY und Mexiko-Stadt.